Moderne Kunst Statuen - Ein fließender Begriff

Das alte Kunsthandwerk im Übergang zur Modernen

Über viele Jahrhunderte wurde die Kunst dem Handwerk zugeordnet. Vor allem im Mittelalter fertigte der Künstler in einem Handwerksbetrieb seine Werke nach Bestellung und lieferte sie aus. Das Handwerk des Künstlers musste gründlich erlernt werden. Dazu gehörte auch die Herstellung von Farben und Materialien. Vor allem die Portrait-Malerei sicherte dem Künstler sein Einkommen. Lieferte er gute Arbeit ab, bekam er mehr und mehr Aufträge, wie man es auch von einem heutigen Handwerker kennt. Später stellten Fürsten Künstler als Bedienstete an, die die Zierden der Prunkpaläste und Residenzen fertigten. Die Kunst entstand nach Vorgaben von Auftraggebern, Kirche oder Staat.

Das neue Selbstbild der Künstler

In der Renaissance begann sich das Selbstbild des Künstlers zu wandeln, denn während der Aufklärung erkannte sich der Mensch als eigenverantwortliches Wesen. Bis in das 19. Jahrhundert hinein wandelte sich die Kunst vom abhängigen Handwerk zu einer freien Bewegung. Sie löste sich vom Einfluss des Staates und der Kirche und die Künstler drückten in Ihren Werken mehr und mehr sich selbst, als den Willen des Auftraggebers aus. Der Weg zum freischaffenden Künstler war geebnet und vor allem zum Ende des 19. Jahrhunderts entwickelten sich zahlreiche Stilrichtungen, die heute als Stile der modernen Kunst verstanden werden.

Die vielfältigen Stile der modernen Kunst

Die moderne Kunst hat zahlreiche Stilrichtungen hervorgebracht. Das spiegelt die Freiheit der Künstler wieder. Die Moderne ist so vielfältig wie die Künstler, die sich in ihren Stilrichtungen wiedergefunden haben und ausdrücken.

Bauhaus - Kunst und Handwerk werden vereinigt

Der Bauhaus-Stil ist nach der berühmten modernen Schule für Kunst-Design und Architektur in Weimar benannt. Walter Gropius gründete diese Schule mit der Vision, eine neue Baukunst zu schaffen und somit Kunst und Handwerk verschmelzen zu lassen. Unter dem Begriff „Bauhaus“ sammeln sich also auch Künstler verschiedener Stile, die eine gemeinsame Vision verfolgen. Die Bauhaus-Schule lehrt und prägt vor allem zwei Ideen. Zum einen soll die Grenze zwischen Kunst und Handwerk verschwinden und zum anderen gilt der Leitsatz „Schön ist, was funktioniert“. Das Produkt soll effizient und nützlich sein. Die Ästhetik und der künstlerische Ausdruck entstehen durch die Funktion des Produktes. Verspielte Ornamente und romantische Stilmittel sind in der Welt des Bauhauses verpönt. Das Verschleiern des alltäglichen Zweckes eines Gegenstandes durch Verzierungen ist äußerst unerwünscht. Kunst soll ehrlich und harmonisch sein. Die Werke im Bauhaus-Stil fügen sich in ein Stadtbild ein. Es handelt sich um Häuser in den verschiedensten Größen und im idealen Fall sind auch Möbel und sonstige Einrichtungsgegenstände dieser Häuser im Bauhaus-Stil gehalten.

Dada - Genie und Wahnsinn liegen nah beieinander

Mitten im Ersten Weltkrieg entsteht der Dadaismus. Hugo Ball und Richard Huelsenbeck waren auf der Suche nach einem Künstlernamen für eine befreundete Künstlerin. Dafür schlugen sie ein Wörterbuch auf und tippten mit einem Messer hinein. Heraus kam das Wort „Dada“, das auf Französisch „Holzpferdchen“ bedeutet. Statt den Namen der Künstlerin vorzuschlagen, benannten sie so die Stilrichtung, die die beiden zu diesem Zeitpunkt schufen.

Die Art der Namensgebung passt zur Stilrichtung, die ohne Konzepte auskommt und dabei gegen alle bestehenden Stile strömt. Natürlich ist der Erste Weltkrieg ein vorherrschendes Thema im Dada. Krieg wird abgelehnt und als sinnlos erachtet. Der Protest gegen die Gesellschaft ist ein wichtiger Bestandteil des Dadaismus und die Provokation steht im Vordergrund. Moderne Skulpturen und Plastiken im Zeichen des Dadaismus bestehen vor allem aus schlichten Alltagsgegenständen oder bewusst ausgewählter Massenware aus industrieller Fertigung. Diese Gegenstände, die sonst niemand als Kunstwerk versteht, werden auf einen Sockel gesetzt und mit einer Signatur versehen. Somit werden alte Möbel, Eisenteile oder ausgedientes Geschirr zu einem Ausstellungsstück. Damit wird darauf aufmerksam gemacht, dass die Kunst im Auge des Betrachters liegt.

Expressionismus - Das subjektive Erleben

Der Expressionismus wird als die Kunstrichtung angesehen, die die Epoche der Moderne einleitete, da er deutlich mit den Strömungen der bisherigen Kunstwelt brach. Perspektive und Realismus traten in den Hintergrund und machten Platz für Darstellungen des subjektiven Erlebens in Form eines gesteigerten Ausdrucks. Dabei entsteht vor allem abstrakte Kunst. Besonders bekannt sind dabei die Werke von Paul Gaugin oder Edward Munch und auch die Künstlergruppen "Brücke" oder "Blauer Reiter", lebten diesen Stil in ihrer Kunst aus. Weiterhin bildete sich in dieser Epoche auch die Art Brut (frz.: rohe Kunst), eine Kunst geschaffen von Laien, von Menschen mit geistiger Behinderung oder auch von Kindern, aus. Die Neue Sachlichkeit, als neoexpressionistischer Pathos, ist durch realistische Darstellung bekannt und durch Werke von Otto Dix oder Christian Schad, gekennzeichnet. Eine weitere Richtung des Expressionismus stellt der Tachismus (frz.: Farbfleck) dar, welcher der abstrakten Malerei zugeordnet wird. Bilder des Tachismus sind durch das unbewusste Auftragen von spontanen Emotionen durch Farbe auf die Leinwand gekennzeichnet.

Futurismus - Geschwindigkeit und Dynamik

Der Futurismus hat als avantgardistische Kunstbewegung seine Wurzeln in Italien. Durch ihn wurde die italienische Kunstszene revolutioniert. Auch andere europäische Länder wurden durch den Futurismus beeinflusst. Die Künstler brechen mit allem, was sie als veraltet und traditionell empfinden. Sie setzen sich zum Ziel, eine neue und „wirkliche“ Kunst zu schaffen. Diese soll den hohen Ansprüchen eines modernen Lebens mit all seiner Technik gerecht werden und dem tatsächlichen Leben entsprechen. Sie soll nicht die Vergangenheit widerspiegeln und verweigert demnach alle Einflüsse aus vergangenen Epochen. Die Schönheitsideale im Futurismus liegen in der Geschwindigkeit und der Dynamik, statt in Formen oder Farben. Darin spiegelt sich die technische Entwicklung der Neuzeit wieder. Eine abstrakte Skulptur im Futurismus besteht häufig aus Metall oder Edelstahl. Der Charakter einer solchen Skulptur ist sehr modern, darum werden Werke dieses Stils gern als außergewöhnliche Deko im Garten verwendet.

Impressionismus - Die reine Wahrnehmung

Der Impressionismus ist in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Frankreich entstanden. Ende des 19. Jahrhunderts breitete er sich auf ganz Europa aus. Der französische Begriff „impression“ bedeutet „Eindruck“ und beschreibt den Stil des Impressionismus sehr gut. Im Impressionismus beobachten die Künstler ihre eigene Wahrnehmung und versuchen diese durch ihre Kunst auszudrücken. Dazu gehört die Erkenntnis, dass Konturen von Gegenständen nur vom Bewusstsein erzeugt werden. Das Auge sieht ausschließlich Farben. Konturen und Tiefe sind Interpretationen des Gehirns. Die Impressionisten wollen diese reine Wahrnehmung einfangen und ausdrücken. Vor allem das Licht und seine Wirkung werden oft dargestellt. So entstehen Studien desselben Motivs zu verschiedenen Tages- und Jahreszeiten. Der Impressionismus wirkt vor allem auf die Malerei.

Jugendstil - Die Kunst im Alltäglichen

Die Kunst des Jugendstils liegt im Alltäglichen. Sie soll im Alltag des Menschen erlebbar sein und sich dabei in ihn integrieren. Kunst und Handwerk sollen eine Einheit bilden, doch anders als im Bauhausstil soll zwar die handwerkliche Seite funktional, doch die künstlerische Seite durchaus ausdrucksstark und ästhetisch sein. Dabei soll ein ästhetischer Alltagsgegenstand entstehen, der sowohl bei der Fertigung, als auch beim Verbraucher Freude bereitet. Möbeldesign, Architektur, Bildhauerei und die Herstellung von Schmuck und Plastiken sind die bevorzugten Ausdrucksformen des Jugendstils. Es entstehen Möbel im Jugendstil Design, Vasen, Teller, Tabletts, ganze Häuserfassaden oder auch Stuckelemente und Deko für den Garten.

Er kennzeichnet sich durch fließende Linien, die sich dekorativ in die Form des Gegenstandes einfügen, florale Elemente, geometrische Formen oder die Verwendung von Symbolen. Vorbild ist meist die Natur.

Konstruktivismus - Wissenschaftlich und technisch

Der Konstruktivismus ist von kontrollierten Elementen und definierten Beziehungen bestimmt. Die Künstler arbeiten exakt nach der Vorlage der eigenen Konstruktion, die zuvor angefertigt wurde. Bilder und Skulpturen des Konstruktivismus wurden also vor ihrer Herstellung genau durchdacht und millimetergenau vorgeplant. Das bedarf oft einer wochenlangen Vorbereitung bevor überhaupt an Pinsel oder Meißel zu denken ist. Der Konstruktivismus will eine Kunstform schaffen, die der wissenschaftlichen und technischen Zeit entspricht. Die Menschen dieser Zeit sollen ein entsprechendes ästhetisches Erleben ermöglicht bekommen. Viele Zeitgenössische Künstler sind vom Konstruktivismus beeinflusst.

Kubismus - Die Reduzierung auf Geometrie

Der Kubismus reduziert ein Objekt auf geometrische Formen und Figuren. In der Darstellung des Kubismus besteht ein Objekt nur aus Kugeln, Kegeln, Pyramiden oder ähnlichem. Innerhalb des Kubismus gibt es zwei Strömungen: Den analytischen und den synthetischen Kubismus. Im analytischen Kubismus werden alle Seiten eines Objektes aufgegliedert. Im synthetischen Kubismus entsteht dagegen eine Zusammenfassung aller Seiten eines Objektes, was ein Bild ergibt. Der Kubismus ist vornehmlich eine Stilrichtung der Malerei.

Surrealismus - Traum und Wirklichkeit

Der Surrealismus ist eine sehr junge Kunstrichtung. Er entstand zu Beginn des 20. Jahrhunderts, also nach dem Ersten Weltkrieg. Der Surrealismus lässt Traum und Wirklichkeit miteinander verschmelzen und findet in der Malerei den besten Ausdruck. Die Motive sind klar voneinander abgegrenzt und sehr präzise wiedergegeben. Formen und Farben sind klar voneinander abgegrenzt. Oft passen die Motive nicht zueinander. Sie stehen sich in einem widernatürlichen Widerspruch gegenüber und können stark verfremdet sein. Das Werk soll so schnell wie möglich entstehen, denn der Künstler soll dabei möglichst nicht nachdenken.

Moderne Skulpturen als Rückbesinnung auf das Handwerk

Trotz der Abkehr der Künstler vom klassischen Handwerksbegriff, hat die Kunst noch immer Züge des Handwerks, das erlernt werden muss. Großartige Arbeiten werden auch heute noch respektiert und honoriert. Handwerkliches Geschick ist vor allem beim fertigen von Plastiken gefragt. Moderne Skulpturen stellen wohl die direkteste Verbindung zum Handwerk dar und erinnern an die Wurzeln der Kunst. Das Schaffen einer Skulptur und von Plastiken benötigt viel Geschick, Können und ein geschultes Auge für Proportionen und Strukturen. Darüber hinaus braucht es Sachverstand über die Bearbeitung verschiedener Materialien. Um eine Skulptur aus dem Naturmaterial Holz zu schaffen benötigt es zum Beispiel eine besondere Kenntnis der verschiedenen Arten von Holz und ihr Verhalten bei der Bearbeitung. Für die Herstellung einer Skulptur aus Edelstahl sind wiederum andere Kenntnisse zum Beispiel über die Verarbeitungstemperatur oder die Verwendung der richtigen Verbindungen nötig.

Bedeutende Künstler und moderne Skulpturen und Statuen im Überblick

In unserem Online Shop können Sie moderne Kunst kaufen. Sie finden in unserem Angebot Werke von zeitgenössischen Künstlern und auch Nachbildungen von großartigen Werken der modernen Kunst. Eine Skulptur oder abstrakte Figur ist nicht nur Deko. Sie können auch bedeutend und richtungsweisend für die Stile der Künstler sein. Unter anderem bieten wir Ihnen Werke von Auguste Rodin, Picasso und Fernando Botero an. Moderne Skulpturen wurden von zahlreichen bekannten Künstlern geschaffen und jeder beeinflusste die Kunstwelt auf seine Weise.

Auguste Rodin Statuen - Wegbereiter der modernen Plastik

1877 machte Auguste Rodin seine erste bedeutende Statue der Öffentlichkeit im Pariser Salon zugänglich. Es war ein muskulöser Männerakt mit dem Titel „Das eherne Zeitalter“. Diese Skulptur war so realitätsnah, dass die Betrachter darüber diskutierten, ob es sich um ein Kunstwerk oder ein Stück Natur handele. Rodin schuf daraufhin zahlreiche beeindruckende Werke, die zu einer Heroisierung Rodins führten. Rodin starb im Jahr 1917 und viele Bildhauer sahen in ihm den neuen Michelangelo, der die moderne Kunst erneuert hatte.

Auguste Rodin Statue: Der Denker

Diese Skulptur ist ein bedeutendes Werk von Auguste Rodin. „Der Denker“ steht für die menschliche Vernunft und Schöpfungskraft. Eine Kopie des „Denkers“ ziert sein Grab bis heute, während das Original im Musée Rodin in Paris steht. Modell stand der Boxer Jean Baud, der kein Intellektueller oder Denker war und einzig durch einen perfekten Körper auffiel. Dennoch schaffte er es als Muse von Rodin auf die schweizerische 50-Frankennote. Diese Skulptur führte den Künstler in eine Existenzkrise, denn sie soll Dante Alighieri darstellen. Er beschäftigte sich lange mit dem genialen Schöpfer der göttlichen Komödie und so auch mit den Grenzen zwischen Himmel und Hölle, denn „Der Denker“ ist ein Teil seines nie vollendeten Werkes „Höllenpforte“. Dies stürzte ihn in eine schwere Krise.

Auguste Rodin Bronze: Der Kuss

Mit der Figur „Der Kuss“ versetzte Rodin den Betrachter in die Rolle des Beobachters. Zu sehen sind der Moment des ersten Kusses und die reine Verzückung, die in einem solchen Moment von den Küssenden empfunden wird. Die leidenschaftliche Umarmung und der innige Kuss verleiten dazu, genauer hinzusehen. Der Stil Rodins findet in dieser Skulptur einen perfekten Ausdruck. Er schuf nie glatte Oberflächen, sondern ließ die Spuren seiner Bearbeitung des Materials immer sichtbar bleiben. Dadurch erhält diese innige Darstellung den Eindruck von Vibrationen. Die Leidenschaft lässt die Körper der beiden Liebenden erzittern.

Auguste Rodin: Die Kauernde

„Die Kauernde“ gehört zu den gewagteren Figuren von Auguste Rodin. Auch sie ist ein Teil des unvollendeten Werkes „Höllenpforte“. Sie wurde aber äußerst versteckt innerhalb des Werkes platziert. Nur bei genauem Betrachten war sie zu entdecken. „Die Kauernde“ stellt eine am Boden hockende Frau dar, die ihren Kopf an ihr rechtes Knie lehnt und ihren Oberkörper zwischen ihre gespreizten Beine presst. Verschämt blickt sie zur Seite und bedeckt ihre Blöße mit den Armen. Diese Figur inspirierte Rodin zu zahlreichen weiteren Plastiken, die ähnlich geartet sind, aber jeweils andere Aussagen vertreten.

Pablo Picasso - Ein Maler mit einem Hang zu Skulpturen

Noch heute erzielen die Gemälde von Pablo Picasso unvorstellbare Summen. „Les femmes d’Alger“ wurde kürzlich für 180 Millionen Dollar versteigert. Dass der begnadete Künstler auch Skulpturen geschaffen hatte, ist relativ unbekannt. In unserem Online Shop können Sie moderne Kunst kaufen, unter anderem auch einige Nachbildungen von Picassos Skulpturen.

Seine Skulpturen behielt der große Künstler zu seinen Lebzeiten lieber für sich. Nur wenige machte er der Öffentlichkeit zugänglich. Er schuf sie für dich selbst und dekorierte damit sein eigenes Heim. Das hatte sogar Gründe, denn seine Skulpturen waren sehr persönliche Gegenstände, die aus den Geschichten seines Lebens entstanden sind. Oft entstanden seine Figuren aus Materialien, die er auf der Straße gefunden oder von Schrottplätzen zusammengesammelt hat. Vor allem fand er Möbelreste, darum wurden viele Exemplare aus Holz und Metall gefertigt. Ein besonderer Aspekt der Skulpturen Picassos ist der Umstand, dass der Künstler die Bildhauerei nie erlernt hat. Er kannte keine Regeln und schuf seine Werke völlig frei. Durch diese Freiheit konnten sich sein Gespür für Innovationen und seine schier grenzenlose Fantasie voll entfalten. In seinen Figuren wird diese Freiheit sehr deutlich.

Fernando Botero - Ein moderner und zeitgenössischer Künstler

Fernando Botero gehört zu den bekanntesten Bildhauern Lateinamerikas. Bei uns können Sie moderne Kunst kaufen und wir können Ihnen auch einige Werke Boteros anbieten. Boteros Kunst ist außergewöhnlich, denn er entwickelte seinen eigenen Stil und zeigt mit ihm den Menschen und das menschliche Leben. Dabei beleuchtet er alle Facetten des alltäglichen Lebens des Menschen und auch besondere Momente. Dabei hebt er die Proportionen besonders hervor, indem er sie übertreibt. Jede seiner Figuren sind sehr dick, was ihnen eine besondere Charakteristik verleiht. Sogar Tänzerinnen und Toreros werden korpulent dargestellt. Dicke Menschen sind in Boteros künstlerischem Schaffen ein Schönheitsideal. Die große, runden Formen steigern die sinnliche Präsenz der Kunstwerke und sind das Markenzeichen Boteros. Eine Skulptur von Botero strebt nach Perfektion im Sinne der sinnlichen Formen, dem Umgang mit Volumen und der Technik. Das macht sie modern und fesselt den Blick.

Sein Stil ist inzwischen weltberühmt und sorgt für einen hohen Wiedererkennungswert seiner Werke. Doch seine Vorliebe für große Skulpturen fand er erst spät. Mit 12 Jahren begann er zu malen und nahm an einigen Ausstellungen teil. Nach der Schule verdiente er sein Geld als Illustrator und Designer. Er schuf zahlreiche Gemälde und entwickelte seinen heute so bekannten Stil. Erst mit über 30 Jahren entdeckte er die Skulptur für sich. Ein Glücksfall, denn ohne seine Werke wären heute zahlreiche Städte der ganzen Welt um einige großartige Kunstwerke ärmer.

Sehen Sie sich um! Ihr Wunschartikel kommt bald zu Ihnen ins Wohnzimmer

In unserem Online Shop finden Sie zahlreiche Artikel, die das Herz eines Kunstliebhabers höherschlagen lassen. Unsere Artikel können unabhängig von ihrer Größe problemlos über den Versand zu Ihnen geschickt werden. Dabei lassen wir größte Sorgfalt walten, dass Ihrer Skulptur beim Versand nichts passiert. Unsere Lieferkosten werden nach Gewicht abgerechnet. Bei jedem Artikel finden Sie auch die Gewichtsangaben. Innerhalb Deutschlands versenden wir bis 5 kg für 6,70 EUR und bis 10 kg bis 9,70 EUR. Ab 10 kg Gewicht kostet der Versand 13,00 Eur. Die Versandkosten für die Lieferung ins Ausland entnehmen Sie bitte unseren Liefer- und Versandkosten.